Bartolomé Esteban Murillo

L'iscrizione sotto il dipinto recita in latino: "Bartus Murillo seipsum depingens pro filiorum votis acprecibus explendis", che significa "...dipingersi da solo su richiesta dei suoi cari figli".

Anche se l'aspetto del pittore è di un uomo relativamente giovane, si ritiene che l'opera sia stata dipinta quando l'artista aveva già superato i 50 anni, periodo in cui i suoi figli avevano già l'età sufficiente per essere orgogliosi del lavoro del padre.

La composizione segue lo stesso schema delle incisioni delle copertine dei libri dell'epoca: il protagonista incorniciato in un ovale e sotto di lui gli strumenti e gli utensili del suo mestiere: matite e carta alla sua sinistra e una tavolozza con pennelli alla destra.

Justa e Rufina sono due sante, figlie di un vasaio, nate nel III secolo, nell'attuale territorio di Siviglia che allora era governato dai romani. del III secolo, figlie di un vasaio e martiri.

Nell'opera si vede Santa Justa a destra e Rufina, di 2 anni minore della prima, a sinistra. La tela mostra vasi di argilla sul pavimento in riferimento all'attività di famiglia. La torre del campanile di Siviglia, attuale Giralda della Cattedrale, perché a loro si attribuisce il miracolo di essere rimasta in piedi durante il terremoto del 1504. Inoltre, palme nelle mani di ciascuna, indicando la loro morte per martirio, che è avvenuta perché entrambe si rifiutarono di riconoscere gli dei romani.

In molte occasioni, Murillo ha ritratto bambini, e lo ha fatto con infanti di tutti i tipi: Santi nelle loro più tenere età, angioletti in allegorie religiose e bambini in scene costumbriste, come in questo caso.

Si tratta di una delle opere non religiose più note dell'artista, dove gli elementi dello stile barocco sono particolarmente evidenti, specialmente per quanto riguarda il trattamento della luce, il chiaroscuro della composizione, dove il bambino appare illuminato in un ambiente nero o molto ombroso.

I due bambini sono Giovanni Battista e Gesù, che dà da bere al primo in una conchiglia. Anche se la scena non è biblica è una situazione perfettamente plausibile, dato che entrambi erano cugini e vicini durante la loro infanzia.

Questa è una delle opere più riconoscibili del pittore, combina gli elementi in cui l'artista era più esperto: la pittura di bambini e lo stile barocco. Per questo ha ottenuto una composizione bella ed equilibrata che è stata riprodotta innumerevoli volte su ogni tipo di supporto inclusi fogli, magliette e altri oggetti di moda e decorativi.

L'opera mostra San Girolamo, che nel V secolo fu uno dei più grandi studiosi delle lingue ebraico, latino e greco al mondo. Tradusse una buona parte della bibbia in latino, su incarico di Papa Damaso I. Per questo, la forma tradizionale di rappresentare questo Santo è sempre scrivendo o leggendo, un'altra delle pitture più conosciute con questo motivo è San Girolamo scrivendo di Caravaggio.

Questa opera mostra la morte dell'apostolo Andrea, considerato uno dei padri della chiesa cattolica e ortodossa. Il martirio ebbe luogo nella città greca di Patras, dove fu ordinata la sua crocifissione (a forma di X), per ordine del delegato consolare romano Aegeates, che non solo fu testimone della predicazione di San Andrea e dei convertiti al cristianesimo che ne derivavano, ma la sua stessa moglie si dichiarò cristiana, fatto che non volle tollerare. Lo fece arrestare, frustare e crocifiggere.

L'opera è stata realizzata nella fase artistica più avanzata di Murillo, infatti è stata completata nello stesso anno della sua morte, un periodo caratterizzato dal fatto che le figure si mostrano molto sfumate e sono più colorate, in questo si avvicinano ad alcune tecniche sviluppate nel rinascimento come lo sfumato, e ad altre che avrebbero impiegato secoli a svilupparsi, come i sfumature dell'impressionismo.

La predilezione dell'artista per questi piccoli ha a che fare con il fatto che perse tra 3 e 5 figli per malattia e che in quel periodo povertà e malattia devastavano gran parte della società di Siviglia. Con la stessa tematica ritrasse bambini come questo, monelli e birichini, ne sono un esempio i titoli: "Giovane mendicante", "Bambini che mangiano uva e melone".

Questa opera si concentra sulla reazione dei magi di fronte al neonato, più che sulla descrizione classica e biblica del racconto. Mostrano gioia e devozione, rafforzando la solennità del momento in cui la Vergine Maria presenta con semplicità il bambino. Il momento in cui i Re Magi visitano il messia è stato ampiamente trattato da vari artisti del Rinascimento e del Barocco, una delle versioni più note è l'"Adorazione dei magi" di Velázquez.

Sebbene il passo biblico sia breve, la tradizione orale cristiana ha arricchito l'evento con ogni sorta di dettagli, molti dei quali sono riflessi nell'opera. In alto a sinistra si può notare la stella di Betlemme, gli abiti dei magi rafforzano il carattere universale della religione: ognuno rappresenta un'età dell'uomo: giovinezza, maturità e vecchiaia; e una provenienza geografica diversa (dai 3 continenti noti fino a quel momento): Asia, Africa ed Europa.

Questa versione di Cristo con la corona di spine è considerata la migliore realizzata dall'artista, che ne ha realizzate diverse dello stesso titolo, le più notevoli si trovano al Prado (vedi) e al Museo di Cadice (vedi).

Una delle abilità più acute di Murillo era la sua capacità di trasmettere emozioni e sentimenti nei volti che dipingeva, cosa che in questo ritratto è ampiamente realizzata.

Attualmente questa versione di Ecce Homo non è visibile in nessun museo in quanto è stata acquisita da un collezionista privato nel 2017, che ha pagato quasi 3 milioni di sterline in un'asta di Sotheby's.

Si tratta di una scena di genere, piuttosto atipica per l'epoca e per il pittore. Presenta 4 personaggi, tra i quali la giovane in piedi al centro della tela è la più prominente nella composizione. Il gesto del mezzo sorriso, la guancia contratta e l'occhio semi-chiuso, si ritiene che all'epoca e in questo contesto significasse che la ragazza era nubile e disponibile. Da ciò, si deduce chiaramente che la donna anziana è la protettrice dei tre bambini, e in particolare è incaricata di trovare un marito per la ragazza.

Il bambino a sinistra e quello disteso confermano il carattere picaresco, uno per l'espressione del viso e l'altro per lo strappo nei suoi pantaloni.

Questa scena di genere è una delle più famose dell'artista, presenta caratteristiche tipiche del barocco.

Mostra 2 monelli ben illuminati su sfondo scuro, in azione e movimento, sia gli sguardi che le linee principali della composizione sono diagonali, il dettaglio e realismo delle figure è molto elevato, tanto che solo l'uva a terra potrebbe essere un bodegón della più fine fattura. La luce entra da sopra a sinistra e crea un'ombra densa verso l'angolo opposto (chiaroscuro).

Questa tela appartiene al periodo artistico più precoce del pittore, fu realizzata per decorare la Chiesa e ospedale della Carità di Siviglia (vedi su Wikipedia), una casa di ospizio creata per accogliere i più disperati. Il padre come figura di Dio, riceve il figlio che si era perso e ora ritorna, il cagnolino significa che la scena intende essere completamente terrena e non mitologica.

Questo passaggio biblico è stato dipinto molte volte, si considera questa una delle migliori realizzazioni di tutto il periodo, in quanto espone in modo eccellente le espressioni facciali e corporee dei personaggi. La composizione in termini di colorazione, illuminazione e sfondo ricorda le opere di Tiziano.

Un'altra delle famose pitture della stessa tematica è questa ben nota versione, realizzata da Rembrandt, che presenta uno stile barocco marcato della scuola fiamminga.

Mostra il momento in cui Gesù risorge e esce dal sepolcro mentre le guardie incaricate di sorvegliare l'entrata si sono addormentate. Nella sua mano la bandiera della salvezza, che simboleggia il trionfo sulla morte e il suo invito alla conversione sia per gli ebrei che per i non ebrei.

Questa capolavoro mostra un chiaroscuro in cui la luce è diretta dal fondo del quadro verso lo spettatore, brillando con massimo splendore proprio sulla testa di Gesù, che porta appese le lenzuola mortuarie, estende la mano e alza lo sguardo rivolgendosi al padre. Nella parte bassa, in penombra, tre soldati romani dormono sul suolo.

Murillo era esperto nel conferire alle sue opere un'aura di fascino, nostalgia e picardia, di cui questa opera è un grande esempio. Presenta due giovani donne che guardano dalla finestra, al centro e completamente illuminata una di loro guarda lo spettatore esprimendo un sorriso enigmatico e tranquillo. Dietro di lei, in penombra, l'altra giovane copre con un fazzoletto la sua risata ansiosa. I vestiti di entrambe, tipici spagnoli dell'epoca, indicano uno status di classe media alta.

Le dimensioni dei personaggi sono in scala 1:1, fatto appositamente con l'intenzione che il dipinto abbia più impatto poiché assomiglia più a una vera finestra con le ragazze che guardano fuori, questo stesso mezzo pittorico è comune trovarlo nella scuola fiamminga del XVII secolo, ad esempio in: Jan van Eyck, Rembrandt o Rubens.

Santo Tommaso di Villanova (1486-1555) era un frate agostiniano spagnolo, canonizzato nel 1658, noto per la sua sensibilità verso i poveri. Qui è rappresentato in giovane età mentre distribuisce ai bambini poveri i vestiti che indossa.

In quest'opera si inizia ad apprezzare la crescente tendenza dell'artista ad utilizzare lo "stile vaporoso", che consiste nel sfumare i contorni delle figure, presentandole con una leggera apparenza di trasparenza, ma senza perdere in realismo.

Questa opera riflette la devozione religiosa dello stesso artista. Murillo era cattolico e apparteneva alla Confraternita del Rosario, che praticava con particolare fervore la preghiera del santo rosario. Per questo si può vedere il bambino che tiene uno in mano destra. La posa di entrambi è estremamente dolce e delicata, il che, unito alla bellezza dei volti e alla serenità allegra delle espressioni, risulta un'opera sublime, come poche se ne conoscono.

La composizione mostra caratteristiche del Tenebrismo, per i suoi forti contrasti di luce, uno stile molto utilizzato soprattutto nella prima fase artistica del pittore.

San Francesco di Paola fu un frate e più tardi eremita italiano del XV secolo, noto per la sua vita estremamente austera. Qui è rappresentato in un paesaggio di desolazione e penombra, alzando lo sguardo al cielo, da dove proviene una luce e si legge "Caritas", che significa "Amore". La sfera di luce è circondata da un grazioso gruppo di 5 angioletti.

Questa drammatica immagine dell'apostolo Pietro corrisponde al racconto biblico del pianto che suscita per aver tradito il suo maestro negandolo tre volte. Allo stesso tempo, ha le mani intrecciate come se pregasse per il perdono. L'olio presenta gli elementi classici del chiaroscuro barocco, uno sfondo oscuro e una luce che scende diagonalmente, contornando le figure e in particolare il volto del personaggio

Fin dai primi anni, la paternità dell'opera è stata discussa, arrivando ad affermare che fosse stata realizzata da José de Ribera, sebbene la questione sia stata presto chiarita, resta evidente la forte influenza che questo ha avuto in questa e altre opere dell'autore.