Diego Velázquez

Ritratto multiplo a grandezza naturale, dove la protagonista centrale è l'infanta spagnola Margherita Teresa d'Austria (1651-1673), circondata dalle sue ancelle chiamate "meninas", personalità nobili e lo stesso Velázquez.

È una delle opere più studiate della storia, oggi la principale fonte di informazioni proviene dagli scritti del trattatista e pittore Antonio Palomino (1655 - 1726), che ha analizzato in dettaglio la simbologia, la tecnica, la storia e i personaggi del dipinto.

Tre anni dopo avrebbe dipinto un ritratto unipersonale dell'infanta.

Bacco, il dio greco del vino conosciuto anche come Dioniso, è il protagonista di questo dipinto, commissionato dal re Filippo IV di Spagna. L'idea di realizzare un'opera a tema mitologico nasce dall'ammirazione che suscitarono in Velázquez le opere di Caravaggio, tra le altre pitture italiane. Il dipinto fu realizzato a Madrid e vuole presentare una fusione tra le "divinità" greche (i tre personaggi a sinistra) e il mondo profano (i 5 a destra).

L'importanza di quest'opera sta nel fatto che segna un prima e un dopo nella carriera del pittore, essendo la sua prima seria incursione nel genere mitologico, dal quale non si sarebbe mai più distaccato fino agli ultimi giorni.

La perizia nel realizzare il ritratto multiplo, la ricavò dai suoi anni a Siviglia come ritrattista esperto e pittore di genere religioso, dove arrivò a comporre opere di alta complessità.

Il trattamento della luce sul protagonista e sui suoi accompagnatori fa risaltare il personaggio principale, donando magnifici contrasti di luce e ombra agli altri. Il naturalismo si combina con il realismo e il concetto mitologico. Questa miscela conferisce all'opera un carattere estremamente originale per l'epoca.

Questa, insieme a "Las Meninas", è l'opera più complessa mai realizzata dall'artista, tanto che è stata oggetto di varie interpretazioni nel corso della storia, dalle semplici visioni che apprezzano l'estetica, considerando la scena come parte di un atelier di cucito in un palazzo, fino a complesse interpretazioni che includono mitologia e simbolismo nascosto.

La composizione si svolge su 2 piani d'azione, il primo mostra il movimento di 5 filatrici al lavoro, vestite secondo l'uso dell'epoca. Nel piano di fondo appaiono 5 personaggi enigmatici, interagendo tra loro e osservando un arazzo di cherubini.

La fattura tecnica, il movimento e l'anatomia dei personaggi sono stati ampiamente lodati da un'infinità di artisti nel corso della storia.

Interpretazione pittorica della tradizione cristiana, la visita dei tre re magi d'oriente al Messia nato a Betlemme di Giudea.

La composizione presenta un lavoro dettagliato di ombre e un realismo notevole. Raffigura San Giuseppe, la Vergine Maria, un pastore e i tre magi che adorano il bambino e portano i loro rispettivi doni.

Maria è presentata come una giovane bella con un'aureola, che guarda e tiene il bambino in grembo. San Giuseppe appare come un uomo dal volto segnato, che guarda il volto della moglie, quasi chiedendosi: "Cosa ci sarà da aspettarsi da ora in poi?"

Il bambino Gesù, con un'aureola a forma di croce e tratti adulti, completamente avvolto in tessuto, alludendo alla mortaja che lo avvolgerà il giorno della sua morte.

Durante la sua carriera, Velázquez realizzò numerosi ritratti di buffoni nani, questo è considerato il lavoro più brillante del tema. Le caratteristiche tecniche, i colori, l'illuminazione e la descrizione anatomica sfiorano la perfezione.

Un altro famoso ritratto di nano è il bambino di Vallecas.

Ritratto con un notevole lavoro di chiaroscuro, che presenta il volto di un apostolo, non si sa esattamente quale personaggio biblico sia, ma si sa che non è né San Tommaso né San Paolo, poiché si presume che la tela originale (prima di essere ritagliata) già includesse questi due santi.

Gli esperti non assicurano al 100% l'autorialità della tela, tuttavia, per le caratteristiche del dipinto può essere attribuita con scarso margine di errore, allo stile che il pittore ha sviluppato tra il 1619 e il 1620.

Ritratto di animale, sebbene la sua autorialità non sia comprovata al 100%, la maggior parte degli esperti concorda che le pennellate e la tecnica impiegata coincidono con lo stile del pittore.

Si considera una delle pitture religiose più importanti dell'artista. La sua esatta provenienza e data di realizzazione non sono chiare, ma per lo stile si deduce che sia stata realizzata tra il 1635 e il 1644.

Nella parte superiore le tre persone della Trinità Cristiana, Padre, Figlio e Spirito Santo, incoronano la Vergine Maria che rimane seduta sulle nuvole, circondata da raggi di sole e angelini che volteggiano.

Scena biblica appartenente al primo periodo artistico di Velázquez. Come spesso accade nella pittura barocca, la scena principale appare in secondo piano, dove si vede Gesù che parla con le sorelle Marta e Maria. I personaggi in primo piano: l'anziana e la serva, non appartengono al testo evangelico.

50 anni dopo, J. Vermeer ha dipinto la sua propria versione del passaggio biblico.

Si tratta di una delle pitture di Cristo crocifisso più nobili della storia, riconosciuta come capolavoro dell'anatomia maschile e fonte d'ispirazione per opere letterarie e pittoriche.

L'opera mostra il corpo nudo di Gesù, presumibilmente già morto, per l'inclinazione della testa, la tensione delle braccia e la palidezza della pelle. La postura è particolarmente delicata, il corpo è composto con le proporzioni più belle del momento, apprese dal suo maestro Francisco Pacheco.

Si tratta di una delle opere più elaborate, e la prima in cui il pittore ha affrontato il tema mitologico.

Il dipinto mostra il dio greco Apollo che visita la fucina gestita dal dio Vulcano, il quale mostra il suo stupore di fronte alle parole di Apollo.

La composizione e le proporzioni anatomiche finemente realizzate sono tipiche della scuola italiana, apprese da Velázquez durante il suo soggiorno a Roma.

Paesaggio rurale con "La fontana dei tritoni", che ancora oggi esiste, realizzata in marmo, si trova in un lato del Palazzo Reale di Madrid.

Il dipinto mostra il monumento in una luce tipica della campagna, con alberi rigogliosi sullo sfondo e terreno arido sul cammino. I passanti sembrano godersi una giornata di svago. La composizione è semplice e centrata sulla fontana, considerata del genere costumbrista.

Questo è uno dei ritratti unipersonali più noti dell'artista, si tratta dell'infanta Margherita Teresa, protagonista della tela Las Meninas, che dipinse in numerose occasioni dalla sua prima infanzia fino agli 8 anni.

Nano che lavorava come buffone alla corte del principe Baltasar Carlos, soffriva anche di problemi mentali, diagnosticati in quel tempo come oligofrenia.

Seduto in un ambiente campestre con costa, giace il ragazzo di Vallecas, con un'aria di noncuranza, quasi sfidante, tra le mani tiene quello che sembra essere un mazzo di carte, simbolo del suo modo di vivere. L'espressione e i punti focali (viso e mani) sono illuminati con maestria sublime.

Le disabilità che Velázquez era solito dipingere, sollevano una polemica morale fino ai nostri giorni, molto si è discusso se l'artista cercasse di umanizzare e dare dignità, o al contrario, se questo tipo di ritratto avesse un disprezzo implicito per le persone diminuite.

Un altro ritratto di buffone è quello di don Sebastián de Morra.

Ritratto di bambino con cavallo, il principe Baltasar Carlos (1629-1646), figlio di Filippo IV. Il dipinto intendeva promuovere l'autorità del futuro re, che già posava nello stile di suo padre e suo nonno. Da qui lo scettro nella mano destra e l'abbigliamento militare, pur essendo un bambino.

Il paesaggio sullo sfondo indica che il personaggio si trova a El Pardo (località di Madrid). La vista si dirige verso le montagne della Sierra del Hoyo de Manzanares.

Momento storico militare, che raffigura la vittoria dell'esercito spagnolo di Filippo IV sui proprietari terrieri nei Paesi Bassi. Il gesto amichevole dei personaggi denota i termini in cui è stata risolta la disputa: una resa considerata onorevole da parte della Spagna.

Filippo IV (1605-1665) fu il monarca più volte ritratto da Velázquez, quest'opera in particolare è il Re a 52 anni, ed è una delle più riconosciute per la sua composizione pulita, realismo e vivacità.

Dello stesso autore, un dipinto quasi identico si trova nella National Gallery di Londra.

Composizione pittorica che mostra tre momenti della "Leggenda dorata", scritta dal vescovo italiano Jacopo da Varagine (1230-1298).

San Antonio veste di marrone e San Paolo di bianco, sopra un corvo che porta il cibo per il giorno. Sullo sfondo, da entrambi i lati, scene degli stessi personaggi, a sinistra il funerale di San Paolo, con l'aiuto di un leone. A destra il momento in cui il santo viene trovato morto in posizione di preghiera.

Opera del costumbrismo di Siviglia, dove l'artista ritrae 3 uomini di diverse generazioni, allegriamente condividendo il tavolo. Nell'ombra un servitore versa vino per continuare la serata.

Scena costumbrista in cui l'autore vuole evidenziare il carattere sordido della situazione: ambientata a Siviglia, il più giovane degli uomini, con un'espressione grottesca, tiene un bicchiere di vino, dando l'impressione che i tre musicisti abbiano già bevuto. I due personaggi a destra tengono i loro strumenti in modo incerto e suonano quello che sembra essere una musica senza tono né suono.

La conservazione dell'opera è eccezionale, fino ad oggi mantiene i colori, le figure e l'illuminazione quasi inalterati.

Si tratta dell'unico nudo femminile conosciuto di Velázquez, dipinto per uso privato, evitando così ogni tipo di problematica morale sollevata da questo tipo di opera.

La mitologia greca racconta che Venere è la dea della bellezza, quindi l'immagine mostra il concetto di massima bellezza corporea femminile che aveva il pittore. In una posa aggraziata, sdraiata su lenzuola e di spalle, Venere guarda lo spettatore attraverso uno specchio tenuto dal suo figlio Cupido.

Si tratta di una delle prime opere formali dell'artista. Considerata del genere natura morta, spicca la grande quantità di materiali e texture incluse: olio bollente, mortaio di bronzo, tessuti, verdure, macchie, legno, metalli, ceramica e vimini. Posti lì probabilmente per la voglia dell'artista di mostrare il suo talento.